Los viejos,
los antiguos, los primeros Mames, crearon un imperio que ocupaba una gran
extensión territorial del altiplano occidental guatemalteco (Huehuetenango,
Quetzaltenango, Totonicapán y parte de Chiapas), llamando a su capital: Xinabajul.
Esta ciudad fue conquistada por el rey quiché Kikab el grande en el siglo XV de
nuestra era, cambió el nombre de la capital por Zakuleauab o Zaculeu, que
significa: Tierra Blanca.
A la muerte
de Kikab el Grande, la dinastía Mam de la casa de Cavec, retoma el reino del imperio
Mam. Previo a la conquista gobernaba el imperio Mam el Rey Acab, descendiente
de la casa Cavec, una de las principales familias de Balam Acab (primeros
abuelos del mundo maya quiché). Acab llamó a su primogénito Kaibil Balam quien
nació el 27 de abril de 1492 aproximadamente.
Kaibil
Balam inició su entrenamiento militar en la unidad élite de guerreros de la
guardia real del imperio Mam denominada Quachic. Los aspirantes a guerreros de
élite eran dejados en las afueras de la ciudad fortaleza y comenzaban un viaje
por espacio de un mes lunar, debían sobrevivir sin alimentos y sin mayor
equipamiento. Además eran buscados y perseguidos por guerreros de la unidad
Quachic. El que era capturado era objeto de desprecios, burla y vergüenza y
expulsado del grupo de aspirantes a guerreros.
Kaibil
Balam no pudo usar su condición de príncipe, debía volver a Zacaleu con la
victoria y lo logró. En el año 1532, a los 31 años de edad, Kaibil Balam hereda
el reino Mam de su padre. Los conquistadores españoles que sitiaron a los Mames
en Zaculeu iban al mando de Gonzalo de Alvarado. La diferencia de armas era
evidente. Los Mames tenían Macuahuitl, hachas de tipo maza de tres hileras y
pedernal (cercenaba la cabeza de un caballo y partía un hombre por la mitad);
Atlatl, arco de largo alcance; Itzli, bolsa de cuero con flechas y lanzas
largas.
El sitio
duró cuatro meses, Kaibil Balam luchó junto con 18,000 guerreros Mames, más sus
familiares, pero de inmediato inició una insurrección desde las montañas que
duró casi 5 años. Nunca regresó a Zaculeu, la historia relata que su espíritu
jamás fue conquistado, ni derrotado y que sigue viviendo en las altas cumbres,
siendo un ejemplo de lucha para la libertad.
La capilla alusiva a la Medalla Milagrosa
es un templo peculiar que tiene más de 100 de antigüedad. Se localiza en el
mismo predio donde funcionó el antiguo hospital central “San Juan de Dios” de
este lugar. Este recinto ha sido resguardado por religiosas de la congregación
Hijas de la Caridad de San Vicente de Paúl.
La historia relata que a principios del
siglo XIX, Sor María Morín, originaria de Bélgica, ejerció labores de misionera
en el sanatorio. La religiosa quiso proporcionar a los pacientes un lugar de
meditación y fortaleza espiritual para los enfermos y sus familiares. En 1904
comenzaron las obras de construcción con el diseño de planos que proporcionó el
coronel Asunción Azucena, quien estuvo ingresado ese mismo año y apoyó la
iniciativa de Morín. Azucena falleció y sor Morín continuó con las obras. Diez
años después esta capilla fue bendecida y comenzó a funcionar como pequeño
templo privado del hospital hasta 1985. Luego del traslado del establecimiento
a otro sitio, la infraestructura quedó en abandono y se rodeado de un predio
baldío.
No obstante, las religiosas trabajaron
por rescatar este patrimonio de San Miguel y realizaron trabajos para
mantenerlo en buenas condiciones. Esta joya arquitectónica está decorada con
hermosos y coloridos vitrales franceses de estilo único, creadas por el artista
A.F. Bernard desde la ciudad de Grenoble en 1913. Estos fascinantes vitrales
representan capítulos bíblicos y también milagros reconocidos por la Iglesia
Católica, por los favores recibidos gracias a la intercesión de la Virgen
María, bajo la advocación de la Medalla Milagrosa.
Uno de ellos es la representación del
milagro atribuido a la Virgen, de salvar el convento de las Hijas de la Caridad
en Paris, de un fuerte incendio. Otro episodio bíblico impresionante se ubica
en la entrada principal de la capilla que muestra a la Virgen María sometiendo
a la bestia de siete cabezas que relata el libro del Apocalipsis.
Tras las inclemencias del tiempo, estas
piezas tuvieron que ser restaurados en 2006 por el taller salvadoreño de Sandra
Morales. Esta hermosa joya arquitectónica es de estilo neogótico muy propio de
las capillas europeas cuyo diseño de ojivas obedecen a la idea de inspirar al
feligrés a una experiencia religiosa y detalles decorativos que le inspirarán a
observarlos con detenimiento. Cabe destacar que en el año 2010 se realizaron
obras para restaurar y reforzar su arquitectura. Además cuenta con el respaldo
de la Convención de la Haya de 1954 que lo declara como “Bien Protegido” por
esta legislación internacional.
Arte gótico
El Arte gótico es un estilo artístico europeo con unos límites
cronológicos que encontramos aproximadamente entre el año 1140 y las últimas
décadas del siglo XVI, según las áreas geográficas.
Se aplicó en el campo de la arquitectura
civil y religiosa, la escultura, las vidrieras, la pintura mural y sobre tabla,
los manuscritos y las diversas artes decorativas.
El término gótico fue empleado por
primera vez por los tratadistas del Renacimiento, en sentido peyorativo, para
referirse al arte de la edad media, al que ellos consideraban inferior y
bárbaro (godo, de ahí el término gótico) comparado con el arte clásico.
Escultura
La escultura siguió el precedente
románico, con una amplia difusión de imágenes cuyo fin era adoctrinar a los fieles
en los dogmas de la fe religiosa y decorar las fachadas de las catedrales. La
escultura de los siglos XII y principios del XIII tuvo un carácter
predominantemente arquitectónico.
Las figuras más destacadas son las
estatuas colosales de las jambas (pilastras laterales) de las portadas y las de
los parteluces de los vanos de entrada. Reciben el nombre de estatuas-columna
por estar adosadas a estos soportes. A veces, la estatua-columna tiende a
liberarse del marco arquitectónico, como si fuera una escultura exenta o de
bulto redondo.
En el estilo considerado protogótico
destacan las estatuas-columna del famoso pórtico de la Gloria (fachada
occidental) de la catedral de Santiago de Compostela (España, último tercio del
siglo XII), donde apóstoles y profetas se hacen eco del nuevo sentido
naturalista idealizado, a la vez que expresan sus sentimientos y empiezan a
entablar lo que se denomina sacra conversazione, es decir, la comunicación
entre los personajes sagrados.
Pintura
Dentro de la evolución pictórica del
siglo XV se distinguen dos estilos, el estilo gótico internacional y el estilo
flamenco. El primero corresponde a los dos últimos decenios del siglo XIV y
perduró en la mayor parte de Europa durante la primera mitad del siglo XV. El
estilo flamenco surgió en Flandes en el primer tercio del siglo XV,
paralelamente al renacimiento italiano, y se difundió por el resto de Europa
durante la segunda mitad del siglo.
El estilo internacional apareció en el
centro del continente como consecuencia de la fusión de elementos y formas del
gótico lineal con las innovaciones técnicas e iconográficas aportadas por los
pintores italianos del trecento (Giotto, Duccio, Simone Martini y los hermanos
Lorenzetti).
Este estilo se caracteriza por la
valoración expresiva de lo anecdótico, la estilización de las figuras, el
predominio de las líneas curvas tanto en los pliegues como en las posturas
corporales, la introducción de detalles naturalistas con fines simbólicos y el
empleo de una técnica minuciosa.
La
parroquia de nuestra señora de Guadalupe es uno de los símbolos de El
hormiguero.
La fachada se construyo con piedras talladas,
barro y adornos de madera se impone la iglesia de Nuestra Señora de Guadalupe
entre las casas de bahareque y concreto del cantón El Hormiguero, Comacarán. Las
dos campanas, llamadas María y Conchita, fueron traídas desde Italia. Por medio
de poleas se colocaron en su respectivo campanario. la construcción del templo
se concluyo en 1918, y se dedico a la Virgen de Guadalupe y a Jesús de Nazareno
del Santo Entierro. Se pensó en recobrar la imagen de Virgen de Guadalupe, pero
lastimosamente ya no fue posible. Por tal motivo, Don Emilio trajo de México un
cuadro de la Santa Patrona, que actualmente podemos ver en el presbiterio de la
Iglesia. A pesar de ser la estructura más bella que se aprecia en el lugar,
pocas personas la visitan.
La llegada de los españoles a El Salvador dio
origen a nuevos asentamientos, culturas, y arquitecturas, sustituyendo
materiales, aplicando técnicas constructivas combinando los conocimientos y
habilidades, tanto de los españoles como de los indígenas. Desarrollándose así
un modelo de Colonia en todo el territorio salvadoreño, en las que el Templo
era una base fundamental, para poder
cristianizar a los indígenas. La iglesia Nuestra Señora de Guadalupe del cantón El Hormiguero,
representa gran Valor Histórico ya que data de la época Postcolonial,
Arquitectónico el cual se puede observar en su diseño, detalles, materiales, y
Monumentalidad dado a su altura y ostentosa fachada.
Construcción
casi centenaria
En 1889 la familia González tubo la iniciativa de
traer de México una imagen de la virgen de Guadalupe y la de Jesús de Nazareno
del santo entierro. Esto se hizo llevando a cabo un gran sacrificio, puesto que
la trajeron por cordillera, en ese tiempo no existía iglesia alguna, la imagen
de la Virgen de Guadalupe fue recomendada a la iglesia de Comacaran, hasta
tanto se construyera la iglesia que la albergaría.
En 1909 dio inicio la construcción del templo de
El Hormiguero, Don Emilio destino aproximadamente una manzana de terreno, el
encargado del trabajo era Don Hermogenes Romero, vecino del lugar. En esta obra
trabajaron muchas personas, Los Padres Franciscanos de San Miguel asesoraron a
Don Hermogenes. La labor fue ardua, los trabajadores trabajaban hasta los fines
de semana, muchas veces lo hicieron hasta la noche. Los mineros contribuían con
una cantidad de dinero que se les descontaba cada quincena.
Un centro religioso que, a pesar de tenerlo
cerca, ha sido olvidado por la mayoría de sus habitantes. La iglesia fue
construida entre 1901 y 1905 por habitantes del cantón. Todos ellos trabajaron
por la noche a la luz de las estrellas y de las velas. El Hormiguero en esa
época aún se llamaba Moncagüita, pero los mineros estadounidenses que llegaron
a trabajar a las minas del lugar le pusieron El Hormiguero, por la gran
cantidad de guaridas de estos insectos que había en las tierras que excavaron.
El 15 de octubre de 1577, el municipio de
Comacarán, San Miguel, fue incluido como pueblo en el convenio franciscano de
San Miguel junto a Gueymetique, ambos municipios son de origen lenca. La
iglesia de Nuestra Señora de Guadalupe es una de las más imponentes del oriente
del país y urge de una reconstrucción de este templo tan hermoso y que tiene
una infraestructura muy peculiar.
Arte Románico
Entre los siglos XI y XIII, es decir, durante el
período que se conoce como Baja Edad Media, se forma en Europa un arte al que
se le da el nombre de Románico. Este nombre hace referencia a la fuente en que
tiene su origen, que es el arte de Roma, el arte romano, del que toma tipos de
edificios y técnicas constructivas. Este estilo o arte se ha denominado
románico, por la semejanza con el vocablo romance, el cual designa los idiomas
derivados del latín.
ARQUITECTURA: Es una
arquitectura religiosa, de creación monástica, porque son los monasterios y los
conventos los que la impulsan. Su edificio tipo es la Iglesia. Expresa el ideal
de austeridad y recogimiento, de disciplina y penitencia. Desde el punto de
vista técnico, pertenece al grupo de arquitecturas de arco y bóveda, por ser
estos sus elementos funcionales básicos. Tiene una apariencia robusta y pesada.
El principio de sustentación es estático, pues enfrenta masa contra peso.
Presenta un exterior sobrio, de muros desnudos y lisos, interrumpidos nada más
que por los elementos de refuerzo, que van incorporados a la estructura. Otros
elementos constructivos: contrafuerte, columnas, pilares, cúpulas.
ESCULTURA: Está subordinada
a la arquitectura, que determina los lugares y espacios que deben cubrirse con
relieves o estatuas. Su finalidad no es artística sino didáctica: dar a conocer
a los fieles las figuras y verdades sagradas para su instrucción religiosa.
Estilización y desproporción: las figuras no guardan las proporciones
naturales. Tampoco guardan la debida perspectiva ni la relación de tamaños que
se debe a la diferente profundidad a que están las figuras. En los relieves, la
diferencia de tamaño significa la importancia del personaje. Composición
simétrica: las escenas se componen, guardando una relación simétrica. En los
tímpanos, la composición tiene siempre como eje la figura de Cristo.
PINTURA: La pintura
románica tiene un desarrollo notable, pues las vastas extensiones de pared lisa
eran apropiadas a la decoración pictórica; por ello, también la pintura era un
arte subordinada a la construcción. La falta de perspectiva, los colores
planos, la composición simétrica, la rigidez de las figuras y la inexpresividad
de los rostros, que muestran siempre su mirada asombrada, prueban una indudable
influencia oriental a través del arte de Bizancio. La técnica empleada es la
del Fresco, notables ejemplos son las iglesias románicas catalanas, de
fulgentes colores y motivos abstractos de significado simbólico; y las iglesias
italianas, donde las escenas religiosas pintadas muestran ya cierto empeño en
copiar la naturaleza con fidelidad.
Esta
arquitectura romana experimenta una serie de invasiones y transformaciones
técnicas que en buena medida marcarán su inmediato devenir, durante el reinado
del emperador Nerón. Y es una curiosa paradoja, pero será precisamente el
incendio de Roma del año 64 (del que algunos acusaron al propio emperador) que
devastó el centro de la ciudad y acabó con barrios enteros, pero también con
templos, palacios y viviendas, el factor que propició todo un plan de
renovación arquitectónica que permitió dichas novedades. En especial la
construcción de edificios mucho más audaces y la generalización de bóvedas y
cúpulas, construidas con revestimientos de hormigón.
De las obras
levantadas en este periodo pocas sobrevivieron al propio emperador porque el
odio que llegó a generar al final de su reinado y que le arrastró al suicidio,
obligó a sus sucesores a distanciarse de su persona y su recuerdo,
estableciendo el llamado damnatio memoriae por el que fueron borrados todos los
vestigios de su paso por el poder.
Entre ellos se
hallaba su obra más descomunal, su inmenso palacio conocido como Domus Aúrea
por la proliferación de dorados y decoraciones que cubrían la mayoría de las
habitaciones. A pesar de sus enormes dimensiones el Domus Aurea quedó enterrado
bajo las Termas de Trajano, aunque fue precisamente por ello por lo que se
conservó en unas condiciones bastantes aceptables.
El palacio se
benefició directamente del mencionado incendio del 64 porque su amplitud que
sobrepasaba las 50 Ha (un espacio en el que cabría perfectamente una ciudad de
la época como Cesaraugusta), se aprovecha de la desaparición de barriadas
enteras que antes ocupaban buena parte de ese entorno. Se extendería desde el
Palatino al Esquilino, un área en la que no sólo se construye el complejo
palacial, sino un amplio entorno ajardinado, con bosques, parques, prados, con
su rosario de fuentes, pabellones, glorietas y quioscos diseminados, y un
enorme lago artificial, sobre el cual, cuando se desecara años después se
construiría el Coliseo.
Nerón había ideado
por tanto un paraíso para circundar su palacio, es decir un jardín al modo de
los construidos en los palacios persas, en medio del cual su poder parecía
traspasar la condición humana. Y para confirmarlo, a la entrada del mismo
colocó una estatua de él mismo representado como un dios solar, que superaba
los 35 m. de alto, razón por la cual fue conocido popularmente como el
Colossus, nombre del que derivaría precisamente el del Anfiteatro Flavio
(Coliseo) al levantarse junto al lugar donde se había erigido la escultura.
El palacio
propiamente dicho constaba de una fachada principal a modo de pórtico de 260 m.
de ancho y un perímetro igualmente porticado por triple columnata que se
prolongaba casi kilómetro y medio cada lado. Al interior se prodigaban estancias
de todo tipo: vestíbulos, habitaciones, bibliotecas, piscinas, termas, etc,
todas ellas decoradas con revestimientos variados de nácar y piedras preciosas,
pero sobre todo motivos dorados que como hemos dicho le dieron nombre al
palacio, y con los que Nerón se identificaba al relacionarlos con el simbolismo
solar del que él asume su divinidad. También había pinturas de una excelente
calidad, que se han conservado muy bien afortunadamente, entre las que destacan
los frescos del comedor principal realizados por Fabullus y Plinio.
Pero sin duda la
parte más espectacular del Domus Aurea era una sala octogonal utilizada al
parecer como coenatio, y cuya mayor aportación técnica es la construcción de
una cúpula de 14 m. de diámetro revestida de hormigón. En realidad es una
cúpula esférica sobre una base octogonal, cuyos apoyos son pilares muy
espaciados y dinteles de ladrillo que evitarían cualquier tipo de contrafuerte
exterior. Con ello y con la apertura de un enorme óculo en su clave se ponen
las bases de un modelo constructivo que generaliza el uso de la cúpula, que
será frecuente a partir de entonces, y cuya culminación se encuentra en el
Panteón de Agripa.
Una serie de
ingenios y artilugios conseguía curiosos efectos de gran impacto escenográfico:
así de los techos llovían sobre los invitados pétalos de flores y perfumes;
además de la cúpula colgaban adornos giratorios cuyos mecanismos los hacían
girar ininterrumpidamente, lo que daba la sensación comentada por Suetonio de
que la sala giraba como el Universo, efectismo con el que el propio Nerón se
sentiría allí en medio como un verdadero cosmocrator.
Por lo demás la
habitación se hallaba rodeada de un pasillo a modo de deambulatorio al que
abrían una serie de habitaciones comunicadas entre sí, más dos alcobas
laterales, dos triclinia y al fondo una escalera sobre la que el agua caía en
forma de cascada. Un complejo ambicioso, en el que la solución espacial de
tantos habitáculos no siempre se resolvió con la suficiente fortuna. Tal vez
porque como ocurre en el resto del palacio la megalomanía que caracterizaba al
emperador contagió excesivamente la construcción del palacio, que en muchas
partes sobrepasa la excentricidad para rayar en el desatino.
La Domus Aúrea
se descubrió durante el Renacimiento y fue allí precisamente de donde se
rescató el famoso Laocoonte. Desde entonces se conocía el lugar como las Grutas
de Esquilino, y ciertamente ejerciceron un influjo notable sobre el arte del
Renacimiento, si bien el proceso de recuperación, excavación y estudio de la
Dosmus Aúrea es reciente.
Su aportación al
desarrollo de la arquitectura romana será indudable, porque por más que el
palacio caiga a veces en lo estrambótico, es incuestionable que la construcción
de la cúpula en la coenatio, su sistema de soportes y su revestimiento de
hormigón, la planimetría de la construcción en la que se impone el sistema
simétrico que definirá la arquitectura posterior, la imbricación del entorno
ajardinado en una construcción palaciega, su indudable riqueza ornamental y la
monumentalidad constructiva, que también se convertirá en una seña de
identidad, son aportaciones a tener en cuenta, por más que en su conjunto el
Palacio pueda reproducir en demasía los delirios de grandeza de su mentor. La
construcción de la Domus Aurea (Casa Dorada) ha sido considerada como la
empresa más extravagante de toda la historia de Roma.
En la muestra cinematográfica de un importante
acontecimiento como lo fueron las guerras greco-persas o Guerras Médicas
podemos apreciar un segmento de la incansable lucha entre ambos contingentes,
basado en la producción de cine 300 nos muestran como desde hacía ya mucho
tiempo los persas , fieles enemigos de los griegos tenían intenciones de
conquistar a Grecia, siendo Jerjes, decidido a no correr con la misma suerte de
su padre Darío; derrotado en la batalla de Maratón a mano de los griegos
durante la Primera Guerra Médica.
Jerjes formando un
ejército para enfrentar a los griegos y juntando a 300 mil soldados, atacaría,
aunque si se sumaban los hombres que iban en la flota de barcos que seguían a
los de a pie y que llevaban sus provisiones;
los persas eran más de un grupo de 10 mil inmortales. El ejército griego
contaba con 300 espartanos. (a los que hay que sumar otros 600 ilotas, pues
cada espartano llevaba dos siervos a su servicio)500 de Tegea, otros 500 de Mantinea, 120 de
Orcomeno y 1.000 hoplitas del resto de Arcadia: 400 de Corinto, 200 de Fliunte,
80 de Micenas, 700 tespios y 400 tebanos, además de 1.000 focenses.
Los persas envían un mensajero el cual era portador de
una mala noticia llena de amenaza hacia su pueblo esto no fue de mucho agrado
para Leónidas, este mensaje era de Xerxes ese mensaje le decía que se iba a
tomar Esparta por las buenas o por las malas, advirtiendo que se esclavizarían
a sus mujeres y niños. El coraje de Leónidas hizo que le declarara la guerra al
ejército persa. Sin embargo a pesar de la grave desventaja numérica, Leónidas y
sus hombres se opusieron a las oleadas de soldados enemigos con un número
mínimo de bajas. Aunque previamente los espartanos habían sido advertidos por
su oráculo no enfrentarse a ningún combate, Leónidas hizo caso omiso a la
advertencia. los persas obtienen la victoria.
Como consecuencia de la batalla; ya sin resistencia los
persas llegan a Atenas y la devastan, pero los días que fueron retenidos por
los griegos en las Termopilas les permitió a estos evacuar la ciudad junto con
una flota de barcos de guerra y refugiarse en Samalia.
Jerjes decidido a no
darle respiro a los griegos se encamina a Samalia con sus barcos, pero se lleva
una desagradable sorpresa; los pesados y poco maniobrables barcos persas no
fueron rivales para los mas maniobrables y ligeros barcos griegos y Jerjes tuvo
que retirarse, no sin dejar a 80.000 hombres al mando de un coronel para que
terminara la campaña, pero unos meses mas tarde 8.000 espartanos y 30.000
aliados griegos derrotan a los persas en Platea y ese mismo día la flota persa
es prácticamente destruida en Micala. La victoria de Grecia es contundente y
Jerjes pierde el interés en su conquista.
Si Grecia hubiera sido
vencida, Persia hubiera ocupado toda Europa, pues Roma aun era una pequeña y anónima
ciudad en Italia. Alejandro de Macedonia no hubiera sido más que un vasallo de
un imperio universal y Roma jamás hubiera podido forjar su Imperio. Sin el
Imperio Romano el Cristianismo no se hubiera podido extender como lo hizo, y Jesús
de Nazaret no hubiera sido más que un iluminado, como tantos otros que hubo en
la Palestina de entonces, del que no tendríamos noticia alguna.
Europa, tal y como es hoy, y su cultura, la más avanzada
sobre la Tierra, no existirían, porque no hubieran tenido ni la oportunidad de
nacer, y las ideas de libertad que surgieron en Grecia, hubieran sido ahogadas
en un baño de sangre.
Mientras tanto, analizando textos relacionados a las
Guerras Medicas las cuales tuvieron lugar, principalmente, entre 492 y 449 a.
C. Sus fases más agudas duraron once años y fueron las dos invasiones persas de
territorio griego europeo, entre 490 y 479, a las cuales se les hace una vaga
alusión en la película 300, previamente detallada.
El resultado final de dichos conflictos fue que la
coalición de algunos estados griegos, se logró que el Imperio Persa de los
Aqueménides perdiese su dominio sobre las ciudades-estado griegas de la costa
occidental de Anatolia. La victoria militar impidió que el conjunto de la
Hélade oriental se convirtiese en una satrapía del Gran Rey y continuase su
propia evolución histórica.
En el 490, un nuevo ejército, de unos 25.000 hombres,
pudo desembarcar al N. del Ática, en la planicie de Maratón. Atenas había
solicitado la ayuda de los hoplitas lacedemonios, que demoraron su partida por
causas rituales. Diez mil hoplitas atenienses, mandados por otros tantos estrategas,
con el solo refuerzo de 1.000 aliados de Platea lograron vencer, dirigidos por
Milcíades, a la infantería persa, cuyo descalabro fue tan sensible que
desbarató la operación combinada por Darío; personaje al que se hace referencia
en la película 300. La tradición señala
que las bajas griegas sumaron 192 hombres frente a 6.400 del contingente
imperial. Los hoplitas regresaron a la capital y las fuerzas del Gran Rey
volvieron a sus países.
Jerjes, sucesor de Darío, con un enorme ejército que
forzosamente avanzó con lentitud y permitió preparar la defensa griega.
En el
481, la magnitud de la amenaza produjo como efecto una liga defensiva de varios
Estados helenos, cuyas tropas fueron encomendadas al mando espartano y su flota
al ateniense. Los griegos discutieron si la defensa inicial por tierra debía
situarse en el estrecho istmo de Corinto o en el desfiladero de las Termópilas,
como deseaban los Estados más norteños. Finalmente, bajo mando de uno de los
diarcas espartanos, Leónidas, 7.000 infantes se apostaron en las Termópilas y
271 naves mandadas por Temístocles lo hicieron en el cabo Artemisio.
Los ejércitos persas de tierra y mar atacaron a la vez,
en agosto del 480. Por mar, intentaron sorprender a la armada helena, que logró
informarse de sus intenciones: sus maniobras y una fuerte tormenta que la
sorprendió en puerto, mientras las naves del Gran Rey estaban en mar abierta,
causaron daños al invasor. En las Termópilas, Leónidas y sus hombres
resistieron durante dos días, con grave daño del enemigo, pero fueron rodeados
y exterminados, aunque ganaron un tiempo precioso. En relación a lo anterior,
el desarrollo de la realización cinematográfica 300 tiene vínculos sumamente
ligados a los hechos de la historia conflictiva entre ambas locaciones.
Así como lo
verdadero y lo bueno, también en la belleza importa la relación
trascendental entre el sujeto y el objeto:
Esencia de la belleza.Todos los hombres dicen bello a esta o aquella cosa, a
esta o aquella persona, a estas o aquellas acciones, juzgan de la belleza con
respecto a las bellezas naturales o artificiales, sin embargo no todos
concuerdan en estimar la belleza de su objeto, algunos afirman, mientras
que por por otra parte, otros niegan que determinado objeto u obra sea bello;
luego se tiene una gran discrepancia en el juicio de la belleza concreta
o de los predicados relativos a determinado objeto.
Acerca del mismo concepto de la belleza no todos
convienen, pero dejando este problema acerca de la objetividad de la belleza
nos referiremos a las doctrinas que hablan acerca de la misma naturaleza de la
belleza.
Estas doctrinas las podemos clasificar en 3 dotrinas:
1) La doctrina subjetivista; esta
doctrina dice que la belleza es algo relativo al sujeto; Así la doctrina
sentimentalista sostiene que la belleza es algo que se mide por el instinto, o
algún sentimiento estético, la escuela positivista enseña que la belleza es
algo que produce sensaciones gratas y Kant dice que la belleza es la capacidad,
que tiene algún sujeto de producir de manera libre de la imaginación entre los
límites de las leyes del intelecto.
2) La doctrina objetivista reduce o quita
la parte subjetiva en la esencia de la belleza
a) La belleza es la expresión de la forma
b) La belleza es la expresión de la idea por la
materia
Para mí la
belleza es aquello visualmente agradable para el ser humano, algo que provoque
cierto placer y agrado al mirarlo, escucharlo e incluso olerlo y sentirlo. Un
elemento ó composición de elementos que transmiten una experiencia de placer al
ser humano. Sin embargo considero que la belleza puede ser muy subjetiva, pues
cada ser humano es muy distinto y lo que para uno puede ser bello para otro
puede ser desagradable, aunque existen parámetros de belleza universales que se
basan en el agrado a la mayoría de las personas también llamados cañones de
belleza.
Tómas de
Aquino define lo bello como aquello que agrada a la vista, para mí lo más bello
es la belleza natural lo que está ahí por naturaleza y no ha sido alterado por
el ser humano, la belleza más grande es aquella que causa una mayor placer al
ser humano generando paz y tranquilidad a él. Un paisaje, un atardecer, un rió,
un bosque, animales, la luna, etc para mí es lo más bello que hay pues es bello
por naturaleza está ahí de forma natural y sobrevive por medio de un ciclo
natural, por esto mismo considero que al ser natural y tener y poseer vida, la
naturaleza está cargada de una inmensa energía que contribuye a causar cierto
placer al mirarla, olerla, escucharla y sentirla.
No es que
lo que este alterado por el hombre no sea bello, pero lo considero una belleza
distinta, creo que lo seres humanos tenemos la habilidad e inteligencia de
crear cosas hermosas que transmitan también esta sensación de placer, paz y
tranquilidad. Por ejemplo un cuadro, un edificio, una escultura y demás
creaciones del hombre son capaces de generar fuertes sentimientos al ser
humano sobre todo cuando fueron inspirados por algún fuerte sentimiento, pues
muchas veces el artista es capaz de transmitir lo que siente por medio de su
obra.
Considero
que la belleza es un arte muy difícil de apreciar, de encontrar y de obtener;
es muy fácil sentirse bello o bella pero creo que ser bello es tener cierto
grado de perfección, de humanidad, algo que muy pocas personas tienen, pues
vivimos en una sociedad donde la belleza es definida por perfección a lo
imperfecto.
Estamos en un mundo trascendente en el que el
hombre no es capaz de expresar en términos racionales y que los místicos y
poetas se esfuerzan en hacerlo con imágenes poéticas en sus distintos versos.
la belleza
externa que nos hace caer en un mundo de materialismo y obsesión a estar
siempre arreglados, utilizando miles de cremas, productos para el cabello, para
la piel y por si esto no fuera suficiente caemos en la tentación de realizarnos
costosas cirugías estéticas sin olvidar la típica frase de “la belleza cuesta”.
No nos damos cuenta el riesgo al que nos exponemos ya que incluso podemos
perder la vida.Además esta belleza hace que solo nos fijemos en como
esta vestida la otra persona, su dinero, el modelo del carro, etc.
Sin embargo la belleza exterior no es más que el
encanto de un instante, la apariencia del cuerpo no es siempre es el
reflejo del alma. A pesar de todo no está de más cuidar nuestro
cuerpo pero no por el hecho de lo que vayan a decir las personas, sino por el
único motivo que le hemos de estar agradecidos ya que es con el que se nos
permite disfrutar la vida.
La Virgen María, fue la madre de nuestro Señor Jesucristo, fue
una mujer humilde que aceptó la voluntad de Dios y concibió, siendo virgen, a
Jesús por obra y gracia del Espíritu Santo: "... el ángel Gabriel fue....
a una virgen desposada con un varón que se llamaba José, de la casa de David; y
el nombre de la virgen era María... entonces el ángel le dijo... concebirás en
tu vientre y darás a luz un hijo y llamarás su nombre Jesús.... el Espíritu
Santo vendrá sobre ti y el poder del Altísimo te cubrirá con tu sombra; por lo
cual también el santo ser que nacerá, será llamado Hijo de Dios" (Lucas
1.26-38).
María, como hemos visto, estaba desposada con
José, esto significa que estaba prometida en matrimonio, pero aun no convivían,
por esto ella aún era virgen y dijo "¿cómo será esto? pues no conozco
varón" (Lucas1.34). Ella vivía rodeada de hombres, dentro de su comunidad,
Nazaret, por lo que cuando dice que no conoce varón está refiriéndose a que no
ha tenido relación sexual con ninguno, pues ella no estaba todavía casada, sino
prometida.
Hasta aquí la Iglesia católica está conforme a
la Escritura, ya que María efectivamente era Virgen cuando concibió y dio a luz
a Jesucristo, pero vamos a analizar una serie de cuestiones consideradas dogmas
de Fe, por esta religión, contrarias o sin fundamento bíblico referidas a la
persona de María:
¿MARÍA PERMANECIÓ VIRGEN TODA SU VIDA?: La
Iglesia católica afirma, como cuestión de Fe, la virginidad de María durante
toda su vida. Esta afirmación es contraria a la propia palabra de Dios, puesto
que, como verás, existen varias citas donde podemos encontrar que María tuvo
otros hijos e hijas con su marido José.
En Mateo 1.25, podemos intuir que María y José
fueron un matrimonio normal a partir del nacimiento de Cristo: "Pero no la
conoció hasta que dio a luz a su hijo primogénito, y le puso por nombre
Jesús".
En la
mitología griega Atenea era la diosa virgen de la razón y la sabiduría, la
guerra justa y protectora de las artes y oficios. Según cuenta la leyenda nació de Zeus mismo
después de que este engullera a Metis, temeroso de que el hijo al que diera a
luz fuera el que según la profecía lo derrotaría. Así que al poco de engullir a
la titánide sintió un fuerte dolor de cabeza, ordenó a Hefesto que le abriese
la cabeza y del interior de esta surgió Atenea, ya adulta y perfectamente
armada.
Protectora
también de la ciudad de Atenas, la ciudad más importante de Grecia, ganó este
derecho disputándolo en una competición con el dios Poseidón, en la cual cada
uno de ellos debía entregar a la humanidad un regalo, ganando aquel cuya
invención fuese más útil.
Poseidón, golpeando el suelo con su tridente,
hizo salir del mismo a un enorme animal negro, con hermosas crines y robustas
patas: el primer caballo. Por su parte, Atenea hizo surgir también del suelo el
primer olivo, que proporcionaría alimento a los hombres y aceite para las
ofrendas a los dioses, siendo un árbol fuerte y duradero, capaz de dar frutos
aún en el suelo más árido, además de A pesar de estar asociada a la pericia
militar, no era en absoluto una defensora de la guerra sangrienta, sino que más
bien estaba asociada a ésta en su aspecto estratégico. Como diosa de las artes y los oficios se la
vinculaba al arte del hilado y el bordado. En una ocasión una joven mortal
llamada Aracné se atrevió a retarla en el arte de bordar y terminó convertida
en araña por su osadía.
Era especialmente venerada entre los marinos,
pues se le atribuía la invención de la primera barca y el haber enseñado al
hombre el arte de la navegación. También se le atribuía el haber enseñado a los
humanos a domar a los caballos (de ahí su epíteto de "Hipia") Hija predilecta de Zeus, en muchos mitos aparece
como adversaria de Afrodita, representando la típica confrontación entre la
razón frente a la pasión, la sabiduría frente a la belleza.
Se cree que
Atenea, cuyo nombre no posee una etimología propiamente griega, debió de ser
una diosa del Egeo, adorada mucho antes de la llegada de los griegos. Hay evidencias de que en tiempos antiguos, la
propia Atenea era considerada una lechuza, o una diosa pájaro, de hecho en sus
retratos arcaicos en vasijas pintadas la diosa conserva algunos de sus rasgos
minoicos, como grandes alas de pájaro.
Se decía que el búho (alegoría de la sabiduría
en las tradiciones de origen europeo), o la lechuza, inspiraban
intelectualmente a los hombres durante la noche ya que estaba vigilante y
próximo a los secretos de Hipnos (el Sueño).convertirse en símbolo de la paz,
por lo cual ganó.
